Pintura/O lado social

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Tradicionalmente, acreditamos que a arte imita a vida. O pintor representa o que ele vê, produzindo uma cena em uma tela. O escultor faz o mesmo com bronze ou pedra. Um fotógrafo ou cineasta faz isso ainda mais diretamente. Um escritor descreve a vida em seus livros. Este conceito simples é conhecido como mimésis.[1]

Mas alguns questionaram a natureza unidirecional da mimese argumentando que a arte também muda a maneira como vemos o mundo e, de fato, a vida algumas vezes imita a arte, e não o contrário. A pessoa que primeiro articulou essa crença efetivamente foi Oscar Wilde. Falando sobre as condições de nevoeiro em Londres no final do século 19, ele escreveu que a maneira como os percebemos mudou por causa da arte. Referindo-se às “neblinas marrons maravilhosas que vêm rastejando pelas nossas ruas, borrando as lamparinas a gás e transformando casas em sombras”, ele argumentou que “poetas e pintores ensinaram [às pessoas] a beleza de tais efeitos”. De acordo com Wilde, "Eles não existiam até que a arte os tivesse inventado".[1]

O que tornou a arte valiosa no passado e agora[editar | editar código-fonte]

"Maria e José" por Hans Pleydenwurff.

Para artistas no período antes da era moderna (antes de aproximadamente 1800), o processo de vender arte era diferente do que é agora. Na Idade Média e no Renascimento, as obras de arte eram encomendadas, ou seja, eram encomendadas por um patrono (a pessoa que pagava pela obra de arte) e depois feitas por encomenda. Um patrono geralmente entrava em um contrato com um artista que especificava quanto ele seria pago, que tipos de materiais seriam usados, quanto tempo levaria para ser concluído e qual seria o assunto do trabalho. Não se pintava algo e só se esperava que fosse vendido, como os artistas costumam fazer agora.[2]

Na Idade Média e até mesmo em grande parte do Renascimento, o artista era visto como alguém que trabalhava com as mãos - eram considerados trabalhadores qualificados, artesãos ou artesãos. Isso foi algo que os artistas da Renascença lutaram ferozmente contra. Eles queriam, compreensivelmente, serem considerados pensadores e inovadores. E durante o Renascimento o status do artista muda drasticamente, mas levaria séculos para que artistas de sucesso ganhassem o status extremamente alto que concedemos às "estrelas da arte" hoje (por exemplo, Pablo Picasso, Andy Warhol, Jeff Koons ou Damien Hirst).[2]

Pinturas medievais eram frequentemente objetos suntuosos feitos com ouro e outros materiais preciosos. O que tornou essas pinturas valiosas foram esses materiais (o azul, por exemplo, era frequentemente feito da pedra semipreciosa, rara e cara, Lapis Lazuli). Esses materiais foram despejados em objetos para expressar devoção religiosa ou para refletir a riqueza e o status de seu patrono. Hoje, o valor de uma pintura é muitas vezes o resultado de algo totalmente diferente. Picasso poderia ter pintado num guardanapo e teria sido incrivelmente valioso só porque era de Picasso - a arte é agora uma expressão do artista e os materiais muitas vezes têm pouco a ver com o valor da arte.[2]

Psicologia da arte[editar | editar código-fonte]

Pintura abstrata de Montenegro por Bochkarev Mihail.

A arte é considerada um campo subjetivo, no qual uma pessoa compõe e visualiza obras de arte de maneiras únicas que refletem a experiência, o conhecimento, as preferências e as emoções de uma pessoa. A experiência estética engloba a relação entre o espectador e o objeto de arte. Em termos de artista, há um apego emocional que impulsiona o foco da arte. Um artista deve estar completamente em sintonia com o objeto de arte para enriquecer sua criação. Como a obra de arte progride durante o processo criativo, o mesmo acontece com o artista. Ambos crescem e mudam para adquirir um novo significado. Se o artista estiver emocionalmente ligado demais ou não tiver compatibilidade emocional com uma obra de arte, isso terá um impacto negativo no produto acabado. De acordo com Bosanquet (1892), a "atitude estética" é importante na visão da arte porque permite considerar um objeto com pronto interesse para ver o que ele sugere. No entanto, a arte não evoca uma experiência estética, a menos que o espectador esteja disposto e aberto a ela. Não importa quão convincente seja o objeto, cabe ao observador permitir a existência de tal experiência.[3]

Aos olhos do psicólogo da Gestalt Rudolf Arnheim, a experiência estética da arte enfatiza a relação entre o objeto inteiro e suas partes individuais. Ele é amplamente conhecido por se concentrar nas experiências e interpretações de obras de arte e em como elas fornecem uma visão da vida das pessoas. Ele estava menos preocupado com os contextos culturais e sociais da experiência de criar e visualizar obras de arte. Aos seus olhos, um objeto como um todo é considerado com menos escrutínio e crítica do que a consideração dos aspectos específicos de sua entidade. A arte reflete a "experiência vivida" de sua vida. Arnheim acreditava que todos os processos psicológicos têm qualidades cognitivas, emocionais e motivacionais, refletidas nas composições de todo artista.[3]

Estudos das influências psicológicas[editar | editar código-fonte]

Vários estudos demonstraram que certas características de estímulo e experiências subjetivas condicionam o tempo de visualização. Por exemplo, maior tamanho de estímulo, complexidade ou novidade, levam a tempos de visualização mais longos para padrões abstratos, desenhos de linhas ou imagens de cenas do mundo real. No que diz respeito à experiência subjetiva, estímulos avaliados como interessantes ou emocionalmente excitantes recebem olhares mais longos. Curiosamente, também características estéticas, como a atratividade facial, têm uma relação positiva com o tempo de visualização. No entanto, o que se sabe sobre a relação entre o tempo de visualização e a experiência da arte?[4]

Embora a estética empírica seja o segundo ramo mais antigo da psicologia experimental, pouco se sabe sobre como a experiência da arte se desdobra ao longo do tempo. A experiência da arte é complexa, pois emerge de uma intrincada interação entre processos de percepção, atenção, memória, tomada de decisão, afeto e emoção. Até mesmo a experiência das artes estáticas “é sempre um processo em movimento temporal de fazer e sofrer onde a experiência é desenvolvida cumulativamente e trazida à realização”. Quanto tempo leva para a experiência estética se desenvolver? Qual a relação entre a qualidade e a duração da experiência estética? Os recursos contextuais modulam essa relação? Essas questões fundamentais permanecem em grande parte sem resposta.[4]

Referências