Pintura/Cultura

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Uma parte da história da pintura na arte oriental e ocidental é dominada por motivos e ideias espirituais. Exemplos desse tipo de pintura variam de obras de arte representando figuras mitológicas na cerâmica, a cenas bíblicas apresentadas nas paredes internas e no teto da Capela Sistina, a cenas da vida de Buda ou outras imagens de origem religiosa oriental.

No Oriente[editar | editar código-fonte]

Seis princípios da pintura chinesa[1][editar | editar código-fonte]

Utagawa Kuniyoshi, Retrato de Chicasei Goyô (Wu Yong) (1827–1830)

Os "Seis princípios da pintura chinesa" foram estabelecidos por Xie He, escritor, historiador de arte e crítico do século V na China, em "Seis pontos a considerar ao julgar uma pintura" (P 六法, Pinyin: Huìhuà Liùfǎ), tirada do prefácio de seu livro "O Registro da Classificação de Pintores Velhos" (P 品 錄; Pinyin: Gǔhuà Pǐnlù). Tenha em mente que isso foi escrito por volta de 550 EC e se refere às práticas "velhas" e "antigas". Os seis elementos que definem uma pintura são:[2]

  1. "Ressonância do Espírito", ou vitalidade, que se refere ao fluxo de energia que engloba tema, trabalho e artista. Xie Ele disse que sem a Ressonância do Espírito, não havia necessidade de procurar mais.
  2. "Método Ósseo", ou a maneira de usar o pincel, refere-se não apenas à textura e pincelada, mas ao elo estreito entre a caligrafia e a personalidade. Em seu tempo, a arte da caligrafia era inseparável da pintura.
  3. "Correspondência ao Objeto", ou a descrição da forma, que incluiria forma e linha.
  4. "Adequação ao tipo", ou a aplicação de cores, incluindo camadas, valor e tom.
  5. "Divisão e Planejamento", ou colocação e disposição, correspondentes à composição, espaço e profundidade.
  6. "Transmissão por cópia", ou a cópia de modelos, não só da vida, mas também das obras da antiguidade.

Arte japonesa[3][editar | editar código-fonte]

Lavatório feminino de Torii Kiyonaga.

Áreas de assunto onde a influência chinesa tem sido repetidamente significante incluem pintura religiosa budista, pintura a tinta das paisagens na tradição da pintura literata chinesa, caligrafia de ideografias, e a pintura de animais e plantas, especialmente pássaros e flores. No entanto, as tradições distintamente japonesas se desenvolveram em todos esses campos. O assunto que é amplamente considerado como o mais característico da pintura japonesa e, posteriormente, da gravura, é a representação de cenas da vida cotidiana e cenas de narrativa que são frequentemente cheias de figuras e detalhes. Essa tradição sem dúvida começou no início do período medieval sob influência chinesa, que agora está além do traçado, exceto nos termos mais gerais, mas a partir do período das primeiras obras que sobreviveram se desenvolveu em uma tradição especificamente japonesa que durou até o período moderno.

A lista oficial de tesouros nacionais do Japão (pinturas) inclui 158 obras ou conjuntos de obras do século VIII ao XIX (embora incluindo várias pinturas chinesas que há muito tempo existem no Japão) que representam picos de realizações, ou sobrevivências muito raras de períodos adiantados.

Arte coreana[4][editar | editar código-fonte]

Chuil hanmyo de Jeong Seon.

Os gêneros esperados de arte budista mostrando o Buda, ou monges budistas, e a arte confucionista de eruditos em repouso, ou estudando em ambientes silenciosos e muitas vezes montanhosos, seguem as tendências gerais da arte do Leste Asiático. As cores nimbus não são necessariamente douradas e podem ser sugeridas por cores mais claras. As faces tendem ao realismo e mostram a humanidade e a idade. Drapery é feito com alguns para grande cuidado. A face é geralmente bidimensional, a cortina tridimensional. Como na arte ocidental medieval e renascentista, as cortinas e os rostos são feitos frequentemente por dois ou três artistas que se especializam em uma habilidade pictórica particular. A iconografia segue a iconografia budista.

Ao longo da história da pintura coreana, tem havido uma separação constante de trabalhos monocromáticos de pinceladas negras sobre papel de amoreira ou seda; e a colorida arte popular ou min-hwa, artes rituais, pinturas de tumbas e artes de festivais que tinham amplo uso de cores.

Essa distinção era frequentemente baseada em classes: os estudiosos, particularmente na arte confucionista, sentiam que se podia ver a cor nas pinturas monocromáticas dentro das gradações e sentiam que o uso real da cor tornava as pinturas grosseiras e restringia a imaginação. A arte folclórica coreana e a pintura de molduras arquitetônicas eram vistas como o brilho de certas molduras externas de madeira, e novamente dentro da tradição da arquitetura chinesa, e as primeiras influências budistas do profuso rico thalo e cores primárias inspiradas pela arte indiana.

Arte indiana[5][editar | editar código-fonte]

Buffalo Round Up de Velino Shije Herrera.

A arte indiana tem uma longa tradição e história na arte indiana. As primeiras pinturas indianas foram as pinturas rupestres dos tempos pré-históricos, os petróglifos encontrados em locais como os abrigos rochosos de Bhimbetka, algumas pinturas rupestres da Idade da Pedra encontradas entre os abrigos rochosos de Bhimbetka têm aproximadamente 30.000 anos. categorizado em três categorias: pintura mural, pintura em miniatura e pintura em outras mídias removíveis (tecidos, papéis, madeira, pergaminhos ...).

Bengala e Calcutá tiveram um papel importante no desenvolvimento da arte moderna e contemporânea na Índia, com escolas e movimentos como Kalighat, Escola de Bengala, Santiniketan, Grupo de Calcutá, Sociedade de Artistas Contemporâneos e Grupo de Pintores de Calcutá.

No século XX, a pintura moderna se opõe à pintura colonial e hoje a pintura metropolitana contemporânea continua a desenvolver seu próprio estilo.

No Ocidente[editar | editar código-fonte]

O Ocidente foi movimentado pelos movimentos culturais. Um movimento cultural é uma mudança na forma como várias disciplinas diferentes abordam seu trabalho. Isso incorpora todas as formas de arte, as ciências e filosofias. Historicamente, diferentes nações ou regiões do mundo passaram por sua própria sequência independente de movimentos na cultura, mas à medida que as comunicações mundiais se aceleraram, essa distinção geográfica tornou-se menos distinta.[6]

Pré-histórica[editar | editar código-fonte]

Coso petroglyphs (1).JPG
Chaman.jpg

Arte rupestre pré-histórica não é realmente um movimento de arte, pois é um período no desenvolvimento artístico da humanidade. É anterior à escrita, gravura e basicamente engloba a gênese da escultura e da pintura inicial. Também não é um tema quente para os historiadores da arte, mas sempre de interesse para os antropólogos históricos. Pessoas pré-históricas muitas vezes representavam seu mundo e crenças através de imagens visuais. A arte emergiu com o surgimento e a dispersão do homo sapiens da África, Europa, Ásia, Australásia e Américas. Pinturas, esculturas, gravuras e mais tarde cerâmica revelam não apenas uma busca pela beleza, mas também sistemas sociais complexos e conceitos espirituais.[7]

Seus estilos de vida dependiam da caça e busca de alimento ou, mais tarde, da agricultura pastoral. É possível que os povos anteriores tenham decorado seus corpos e roupas ou marcado árvores ou características na paisagem, mas, se o fizeram, a evidência dessa arte não sobreviveu. A arte reconhecível data de pelo menos 38.000 aC na Europa, África, Austrália e América do Sul.[7]

Arte indígena (brasileira)[editar | editar código-fonte]

Eles pintam o corpo para enfeitá-lo e também para defende-lo contra o Sol, os insetos e os espíritos maus. Também para revelar de quem se trata, como está se sentindo e o que pretende. As cores e os desenhos ‘falam’, dão recados. Caprichar na tinta, nas cores e nos desenhos garantem boa sorte na caça, na guerra, na pesca, na viagem.[8]

Cada tribo e cada família desenvolvem padrões de pintura fiéis ao seu modo de ser. Nos dias comuns a pintura pode ser bastante simples, porém nas festas, nos combates, mostra-se requintada, cobrindo também a testa, as faces e o nariz. A pintura corporal é geralmente uma função feminina; a mulher pinta os corpos dos filhos e do marido.[8]

Renascimento[editar | editar código-fonte]

De aanbidding der herders de Bramantino.
Jeanne Hébuterne (au chapeau) de Amedeo Modigliani.

Nas artes o Renascimento se caracterizou, em linhas muito gerais, pela inspiração nos antigos gregos e romanos, e pela concepção de arte como uma imitação da natureza, tendo o homem nesse panorama um lugar privilegiado. Mas mais do que uma imitação, a natureza devia, a fim de ser bem representada, passar por uma tradução que a organizava sob uma óptica racional e matemática, como um espelho de uma ordem divina que à arte cabia desvendar e expressar, num período marcado por muita curiosidade intelectual, um espírito analítico e organizador e uma matematização e cientificização de todos os fenômenos naturais. É uma época de aspirações grandiosas, o artista se aproximava do cientista e do filósofo, e os humanistas ambicionavam um saber enciclopédico; aparecem importantes tratados normatizadores e ensaios diversificados sobre arte e arquitetura, lançando-se os fundamentos para uma nova historiografia e uma nova abordagem do processo de criação. Todas as artes se beneficiam dos avanços científicos, introduzindo-se aperfeiçoamentos nas técnicas e nos materiais em vários domínios. Destaca-se, por exemplo, a recuperação da técnica da fundição em cera perdida, possibilitando criar monumentos em escala inédita em relação aos bronzes medievais, e a popularização de mecanismos ópticos e mecânicos como auxiliares da pintura e escultura. Por outro lado, a ciência se beneficia da arte, elevando o nível de precisão e realismo das ilustrações em tratados científicos e na iconografia de personagens históricos, e aproveitando ideias sobre geometria e espaço lançadas por artistas e o impulso de exploração e observação do mundo natural.[9]

Modernismo[editar | editar código-fonte]

O modernismo descreve tanto um conjunto de tendências culturais quanto uma série de movimentos culturais associados, originalmente originados de mudanças de grande escala e de longo alcance para a sociedade ocidental no final do século XIX e início do século XX. O modernismo foi uma revolta contra os valores conservadores do realismo.[10][11] O termo abrange as atividades e a produção daqueles que sentiram que as formas "tradicionais" de arte, arquitetura, literatura, fé religiosa, organização social e vida cotidiana estavam se tornando ultrapassadas nas novas condições econômicas, sociais e políticas de um mundo totalmente industrializado emergente. Uma característica saliente do modernismo é a autoconsciência. Isso muitas vezes levou a experimentos com forma e trabalho que chama a atenção para os processos e materiais utilizados (e para a tendência adicional de abstração).[12]

Referências

  1. https://en.wikipedia.org/wiki/Chinese_painting#Six_principles (em inglês)
  2. Fritz van Briessen, The Way of the Brush: Painting Techniques of China and Japan. Rutland, Vermont: Charles E. Tuttle Company, 1962, pp. 111-112.
  3. https://en.wikipedia.org/wiki/Japanese_painting (em inglês)
  4. https://en.wikipedia.org/wiki/Korean_painting (em inglês)
  5. https://en.wikipedia.org/wiki/Indian_painting (em inglês)
  6. https://en.wikipedia.org/wiki/Cultural_movement (em inglês)
  7. 7,0 7,1 http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/prehistoricart/ (em inglês)
  8. 8,0 8,1 https://www.historiadasartes.com/nobrasil/arte-indigena/
  9. https://pt.wikipedia.org/wiki/Renascimento#Artes_visuais
  10. Barth, John (1979) The Literature of Replenishment, depois publicado em The Friday Book'(1984)'.
  11. Graff, Gerald (1975) Babbitt at the Abyss: The Social Context of Postmodern. American Fiction, TriQuarterly, No. 33 (Spring 1975), pp. 307–37
  12. Gardner, Helen, Horst De la Croix, Richard G. Tansey, and Diane Kirkpatrick. Gardner's Art Through the Ages (San Diego: Harcourt Brace Jovanovich, 1991). ISBN 0-15-503770-6. p. 953.